Anna-Eva Bergman, Voyage vers l’intérieure
jusqu’au 16 juillet 2023 au Musée d’Art Moderne de Paris
Le Musée d’art Moderne de Paris consacre une rétrospective à Anna-Eva Bergman (1909-1987). Près de trois cents œuvres composent un très riche parcours qui dessine le trajet créatif de la peintre, d’une figuration expressive à une abstraction spirituelle saisissante. Partant de formes premières de la nature : pierre, arbre, montagne, Anna-Eva Bergman nous a laissé une œuvre qui invite à une contemplation méditative très apaisante.
Mondes Parallèles | Exposition collective
sous le commissariat de Fanny Schulmann
du 14 avril au 10 septembre 2023 au Musée d’Art moderne de la ville de Paris
En cosmologie, le monde parallèle est défini comme un univers possédant ses propres mesures d’espace et de temps. Si de tels mondes existaient, ils devraient logiquement être séparés du nôtre et régis par des lois différentes, renversant alors les principes fondamentaux que nous pensions absolus et immuables. À partir d’œuvres en cours d’acquisition ou entrées récemment dans les collections du musée, cette exposition est une série de présentations monographiques d’artistes dont les oeuvres frappent par leur singularité, constituant ainsi des univers autonomes. Les sept artistes rassemblé(e)s ici, Marie Bourget, Helmut Federle, Hélène Garache, Hubert Kiecol, Charlotte Rampling, Anne-Marie Schneider et Pierre Weiss, ont en commun une exigence sans concession dans leur rapport au réel et à leur art. Par leurs productions, ces artistes nous invitent à élargir nos habitudes de perception afin de nous transporter dans un univers parallèle, poétique et émotionnel. Pour ce faire, ils s’appuient sur différentes démarches : certains jouent sur la variété des formes et des signifiants aux multiples renversements ; d’autres élaborent des rituels précis, les faisant entrer en résonance avec des forces invisibles.
Antonello da Messina, The Dead Christ Supported by Three Angels, c.1476, oil on panel, 115 x 85.5 cm, Fondazione Musei Civici di Venezia, Museo Correr, Venice, 2023 © Photo Archive – Fondazione Musei Civici di Venezia
GIOVANNI BELLINI
Influences croisées
Du 3 mars au 17 juillet 2023 au Musée Jacquemart-André
Au printemps 2023, le Musée Jacquemart-André présente la première exposition en France consacrée à l’œuvre du grand maître Giovanni Bellini (v. 1435-1516), l’un des fondateurs de l’école vénitienne, ayant ouvert la voie à l’art de la couleur et du ton qui a fait la gloire de la Sérénissime.
À travers une cinquantaine d’œuvres issues de collections publiques et privées européennes, dont certaines présentées pour la première fois, cette exposition met en lumière l’art de Giovanni Bellini et les influences artistiques qui imprègneront son langage pictural. Par une mise en regard de ses œuvres et celles de ses maîtres à penser, cette exposition – la première jamais consacrée en Europe à cette thématique – montre comment son langage artistique n’a eu de cesse de se renouveler tout en développant une part indéniable d’originalité. Réparties selon un ordre chrono-thématique, les tableaux de Bellini constituent le fil rouge de l’exposition et sont accompagnés des « modèles » qui les ont inspirés.
Christian Marclay
L’art du détournement
du 16 nov. 2022 – 27 févr. 2023 au Centre George Pompidou
Pour la première fois depuis 2007, l’œuvre de Christian Marclay est largement présentée dans une exposition à Paris. Pensée sans suivre un parcours chronologique, mais selon un réseau d’affinités et d’échos déployant la logique de l’artiste multimédia, l’exposition mêle déjà-là, détournements et métamorphoses.
Le Centre Pompidou consacre jusqu’au 27 février une vaste exposition à l’artiste multimédia Christian Marclay, un génial jongleur de sons et d’images. Un panorama qui permet d’embrasser toute l’étendue de l’œuvre au carrefour du sonore et du visuel de cet artiste américano-suisse adepte du détournement. Depuis quarante ans, l’artiste multimedia Christian Marclay, musicien, plasticien et performer, ne cesse d’explorer avec malice le son, l’image, et leurs multiples connexions.
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Nan Goldin, 1st day in quarantine, Brooklyn, NY, 2020, Paris, Marian Goodman Gallery (© Nan Goldin – Courtesy of the artist and Marian Goodman Gallery © Nan Goldin)
LES CHOSES
UNE HISTOIRE DE LA NATURE MORTE
12 octobre 2022 – 23 janvier 2023 au Musée du Louvre
Avec l’exposition «Les choses » le Louvre remet à l’honneur un genre souvent considéré comme mineur malgré son succès auprès des amateurs: la nature morte. L’expression française«nature morte », née à la fin du 17e siècle, définit mal ce qui est en réalité la représentation d’un amoncellement de choses, parfois bien vivantes, associées selon un ordre choisi par l’artiste. Le mot « chose » adopté par l’exposition semble donc plus adéquat pour traiter cette thématique dans son ensemble.
Depuis les débuts de l’humanité, les hommes s’intéressent à l’observation et à la représentation des choses. Celles-ci occupent une place importante dans nos vies en tant qu’objets matériels, bien sûr, mais également symboliques. Leur représentation a donc beaucoup à nous apprendre sur l’évolution de la pensée, et sur la vie quotidienne d’hier à aujourd’hui. Le genre de la nature morte permet ainsi d’entrevoir les croyances, les peurs ou encore les désirs et les rêves de l’être humain, au fil des époques et dans diverses cultures. Il nous invite aussi à questionner notre attachement actuel aux choses, entre surconsommation et préoccupations environnementales et écologiques.
Edvard Munch
Un poème de vie, d’amour et de mort
du 20 septembre 2022 au 22 janvier 2023 au Musée d’Orsay
En collaboration avec le musée Munch d’Oslo, le musée d’Orsay consacre une exposition au célèbre peintre norvégien Edvard Munch (1863-1944) dont l’œuvre dans son ampleur – soixante ans de création – et sa complexité demeure pourtant en partie méconnu.
L’œuvre de Munch occupe dans la modernité artistique une place charnière. Elle plonge ses racines dans le XIXe siècle pour s’inscrire pleinement dans le suivant. Plus encore, son œuvre tout entière est innervée par une vision du monde singulière lui conférant une puissante dimension symboliste qui ne se réduit pas aux quelques chefs-d’œuvre qu’il a créés dans les années 1890. Dépassant le symbolisme fin-de-siècle, Munch transcende ce mouvement au-delà de son apogée pour en faire l’épine dorsale de son œuvre, lui conférant ainsi sa grande cohérence.
I… I… I… (2019), Ryan Gander
ŒUVRES IN SITU
jusqu’au 31 décembre 2024 à la Bourse de Commerce Pinault Collection
La volonté de privilégier le dialogue entre les oeuvres et leur contexte architectural, naturel et urbain est en effet un trait fort de l’identité des musées de la Collection Pinault. A Venise, les marbres et les plafonds peints du Palazzo Grassi, les murs de brique et les poutres de la Pointe de la Douane, dialoguent avec les reflets changeants de l’eau… Ces éléments non-standard, dont on aurait pu redouter qu’ils contraignent – voire compromettent – la présentation des œuvres, sont au contraire une source d’inspiration pour les artistes. Ils sont aussi une manière de proposer aux visiteurs une expérience de l’art singulière, contextualisée, « ici et maintenant ».
Graciela Iturbide
Heliotropo 37
du 12 février au 29 mai 2022 à la Fondation Cartier
Du 12 février au 29 mai 2022, la Fondation Cartier pour l’art contemporain présente Heliotropo 37, la première grande exposition en France consacrée à l’ensemble de l’œuvre de la photographe mexicaine Graciela Iturbide, des années 1970 jusqu’à aujourd’hui. Pour cette véritable exposition-portrait, l’artiste nous a ouvert les portes de son studio au 37 calle Heliotropo à Mexico, l’un des chefs-d’œuvre de l’architecte Mauricio Rocha qui conçoit également la scénographie de l’exposition. Heliotropo 37 rassemble plus de 200 images, des œuvres les plus iconiques aux photographies les plus récentes, ainsi qu’une série en couleur réalisée spécialement pour l’exposition.
La Collection Morozov
Icônes de l’art moderne
du 22.09.2021 au 03.04.2022 à la Fondation Louis Vuitton
L’exposition événement réunit plus de 200 chefs-d’œuvre d’art moderne français et russe des frères moscovites Mikhaïl Abramovitch Morozov (1870-1903) et Ivan Abramovitch Morozov (1871-1921). La Collection Morozov. Icônes de l’art moderne rassemble un ensemble d’œuvres d’artistes français et russes parmi les plus iconiques de cette Collection : Manet, Rodin, Monet, Pissarro, Lautrec, Renoir, Sisley, Cézanne, Gauguin, Van Gogh, Bonnard, Denis, Maillol, Matisse, Marquet, Vlaminck, Derain et Picasso aux côtés de Répine, Korovine, Golovine, Sérov, Larionov, Gontcharova, Malévitch, Machkov, Kontchalovski, Outkine, Sarian ou Konenkov.
Sophie Calle, Orsay, 2020 © Musée d’Orsay
SOPHIE CALLE et son invité Jean-Paul Demoule
Sous-titre LES FANTÔMES D’ORSAY
Du 15 mars au 19 juin 2022 au Musée d’Orsay
Dans la gare d’Orsay et son hôtel désertés, Sophie Calle s’est choisi comme abri une chambre à l’abandon, la 501. Nous sommes en 1978. Elle y passe des journées entières, pendant des mois, éprouvant la désolation d’un lieu, comme un espace archéologique où tout a été délaissé. « Les fantômes d’Orsay » est une œuvre totale de Sophie Calle, tissant un aller-retour permanent entre ses débuts et l’ensemble de sa création : on y retrouve la multiplicité des formes qu’elle adopte, de la photographie à la poésie, du ready-made à la composition, à la collaboration, et son unique capacité à tisser des récits, à faire tenir ensemble en permanence le cheminement personnel et la multiplicité d’un lieu, d’une histoire, et de chacune et chacun d’entre nous.
Self portrait, Charles Ray
Charles Ray
12 février – 20 juin 2022 au Centre George Pompidou
Le corpus de Charles Ray, s’il est restreint en quantité (une centaine d’objets à ce jour) est extrêmement riche. Son travail interroge le spectateur : qu’est-ce qu’une sculpture ? Les réponses de l’artiste sont multiples. Grâce à une profonde connaissance de l’histoire de l’art sculptural, des sculptures archaïques grecques jusqu’aux réalisations de ses contemporains, le travail de Charles Ray se distingue par son immédiateté.
Marcel Proust
Un roman parisien
Jeudi 16 décembre 2021 – Dimanche 10 avril 2022 au Musée Carnavalet
Le musée Carnavalet – Histoire de Paris commémore le 150e anniversaire de la naissance de Marcel Proust (1871-1922). Consacrée aux rapports de Marcel Proust à Paris, où se déroule l’essentiel de son existence, l’exposition Marcel Proust, un roman parisien interroge pour la première fois la place de la ville dans le roman proustien.
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Les Cerisiers en Fleurs de Damien Hirst
A la Fondation Cartier, du 6 juillet 2021 au 2 janvier 2022
» Les Cerisiers en Fleurs parlent de beauté, de vie et de mort. Elles [les toiles] sont excessives – presque vulgaires. Comme Jackson Pollock abîmé par l’amour. Elles sont ornementales mais peintes d’après nature. Elles évoquent le désir et la manière dont on appréhende les choses qui nous entourent et ce qu’on en fait, mais elles montrent aussi l’incroyable et éphémère beauté d’un arbre en fleurs dans un ciel sans nuages. C’était jouissif de travailler sur ces toiles, de me perdre entièrement dans la couleur et la matière à l’atelier. Les Cerisiers en Fleurs sont tape-à-l’œil, désordonnées et fragiles, et grâce à elles je me suis éloigné du minimalisme pour revenir avec enthousiasme à la spontanéité du geste pictural. » Damien Hirst
Les Chats de Geluck s’exposent en plein air sur les Champs-Elysées
L’exposition « Le chat déambule » de Philippe Geluck a finalement pris place à ciel ouvert le 26 mars 2021 sur les Champs-Elysées, entre la Place de la Concorde et le Théâtre Marigny.
Sur l’avenue parisienne la plus célèbre du monde, les visiteurs peuvent admirer la performance artistique et rire à l’humour de l’artiste belge.
« À travers ces vingt pièces, j’espère apporter au public de la joie, du rire et une certaine poésie surréaliste que nous affectionnons en Belgique », confie Philippe Geluck.
« Enfin un peu de culture ! Ca fait tellement de bien de goûter à la légèreté de Geluck, c’est une bouffée d’oxygène », s’émerveille une passante. Une légèreté qui a tout de même nécessité 20 tonnes de bronze puisque chaque statue pèse entre 800 et 1200 kilos. La plus grande d’entre elles, Sur le fil, mesure 2,80 mètres.
Visibles jusqu’au 9 juin, les 20 sculptures – dont trois fontaines – déambuleront ensuite dans une dizaine de villes françaises parmi lesquelles Bordeaux et Caen, avant de terminer leur périple à Bruxelles en Belgique. Les statues rejoindront ensuite leurs acquéreurs.
Luca Giordano (1634 – 1705)
Du 14 novembre 2019 au 23 février 2020 au Petit Palais, Paris
Le triomphe de la peinture napolitaine
Le Petit Palais présente pour la première fois en France une rétrospective consacrée au peintre napolitain Luca Giordano (1634-1705), l’un des artistes les plus brillants du XVIIe siècle européen. L’exposition met en valeur l’exceptionnelle virtuosité de cette gloire du Seicento à travers la présentation de près de 90 oeuvres, tableaux monumentaux et dessins, réunis grâce aux prêts exceptionnels du musée de Capodimonte à Naples, des principales églises de la ville et de nombreuses institutions européennes dont le musée du Prado. Avec l’exposition sur le sculpteur Vincenzo Gemito (1852-1929), cette rétrospective constitue le second volet de la saison que le Petit Palais consacre à Naples cet automne en partenariat avec le musée de Capodimonte.
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Joris-Karl Huysmans critique d’art
De Degas à Grünewald, sous le regard de Francesco Vezzoli
26 novembre 2019 – 1 mars 2020, au Musée d’Orsay, Paris
La maison de joaillerie Bvlgari et l’artiste italien Francesco Vezzoli ont collaboré pour créer une sculpture précieuse, intitulée Tortue de Soirée, dévoilée au Musée d’Orsay pour l’exposition “Huysmans. De Degas à Grünewald, sous le regard de Francesco Vezzoli”. Une rencontre fascinante entre le monde de la haute joaillerie et celui de l’art contemporain.
Une tortue qui possède une carapace sertie de pierres précieuses : améthystes, cabochons de rubellites, de péridots, de citrines et de topazes (43 pierres pour un poids total de 1500 carats), accompagnées de neuf pièces de monnaie de la Grèce Antique. Par ailleurs, un pavage de diamants illumine les partitions de la carapace et accentue le contraste avec les contours bruts du reste du corps de l’animal. Il aura fallu 530 heures de travail aux artisans de Bvlgari pour donner vie au croquis dessiné par Francesco Vezzoli, inspirée par les origines gréco-romaines de la maison et par le roman de Joris-Karl Huysmans A rebours, qui aborde la quête d’hédonisme et d’esthétique absolue.
Nous les arbres
Du 12 juillet au 10 novembre à la Fondation Cartier
Réunissant une communauté d’artistes, de botanistes et de philosophes, la Fondation Cartier pour l’art contemporain se fait l’écho des plus récentes recherches scientifiques qui portent sur les arbres un regard renouvelé.
Artistes et contributeurs de l’exposition : Efacio Álvarez, Herman Álvarez, Fernando Allen, Fredi Casco, Claudia Andujar, Eurides Asque Gómez, Thijs Biersteker, Jake Bryant, José Cabral, Johanna Calle, Jorge Carema, Alex Cerveny, Raymond Depardon, Claudine Nougaret, Diller Scofidio + Renfro, Mark Hansen, Laura Kurgan, Ben Rubin, Robert Gerard, Pietrusko , Ehuana Yaira, Paz Encina, Charles Gaines, Francis Hallé, Fabrice Hyber, Joseca, Clemente Juliuz, Kalepi, Salim Karami, Mahmoud Khan, Angélica Klassen, Esteban Klassen, George Leary Love, Cesare Leonardi, Franca Stagi, Stefano Mancuso, Sebastián Mejía, Ógwa, Marcos Ortiz, Tony Oursler, Giuseppe Penone, Santídio Pereira, Nilson Pimenta, Osvaldo Pitoe, Miguel Rio Branco, Afonso Tostes, Agnès Varda, Adriana Varejão, Cássio Vasconcellos , Luiz Zerbini
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Du 22 juin au 6 novembre 2019 à l’Institut Giacometti
Durant toute sa carrière, Alberto Giacometti s’est concentré sur un motif quasi unique : la représentation de l’être humain, qu’il considérait comme la raison d’être du geste artistique. Ce parcours révèle la diversité et l’originalité du traitement des figures nues à travers plus de 60 œuvres du peintre. Parmi elles, un magnifique ensemble de sculptures, de peintures et de dessins inspirés de sa femme Annette. Cette rétrospective permet de saisir l’évolution du traitement des figures nues chez l’artiste, des années 1920 jusqu’aux œuvres les « Grandes Femmes » des années 1960. Ces longilignes sculptures en bronze sont considérées comme faisant partie des œuvres d’art les plus importantes du XXe siècle.
Bacon en toutes lettres
DU 11 Septembre 2019 au 20 Janvier 2020 au Centre George Pompidou, Paris
L’exposition est consacrée aux œuvres tardives du célèbre peintre britannique, réalisées entre 1971 et 1992, année de sa disparition.
Dans la seconde partie de sa carrière, Francis Bacon fait entrer les livres dans ses œuvres. George Bataille, Michel Leiris, Nietzsche… viennent nourrir sa vision du monde polarisée entre civilisation et barbarie, beauté et laideur, vie et mort, ainsi que son travail permanent de déconstruction du monde « poétique », qui rejette toute forme d’idéalisme.
Futur, ancien, fugitif, Une scène française
Du 16/10/2019 au 05/01/2020 au Palais de Tokyo
L’exposition Futur, ancien, fugitif, consacrée à « une scène française » s’appuie sur une conception ouverte de l’inscription territoriale – qui rassemble des artistes né.e.s en France ou à l’étranger, vivant en France ou à l’étranger, lié.e.s provisoirement ou durablement à ce pays – autant qu’elle échappe aux effets de tabula rasa qui voudraient qu’une génération en éclipse une autre. Elle réunit au contraire des « contemporain.e.s » qui partagent aujourd’hui cet espace en évolution et aux frontières poreuses. Et cherche à dessiner les courroies de transmission par lesquelles transite cet air du temps que respirent simultanément les quarante-quatre artistes ou collectifs d’artistes réuni·e·s pour l’occasion. Des artistes né·e·s entre les années 1930 et les années 1990, mais qui vivent et travaillent tou·te·s, dans et avec leur époque.
Jardinons les possibles
Ouverture pour la Nuit Blanche 5 octobre jusqu’au 20 octobre 2019 aux Grandes Serres de Pantin
Dans un lieu tout à fait exceptionnel aux Grandes Serres de Pantin, cette exposition réunit une cinquantaine d’artistes puisqu’avec les poètes ils ont un temps d’avance sur la prise de conscience actuelle de la ruine de la planète.
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Coup de Foudre de Fabrice Hyber et Nathalie Talec
15 mars – 20 octobre 2019 à l’espace Fondation Groupe EDF
À l’occasion de l’exposition Coup de Foudre à l’espace Fondation EDF à Paris, Fabrice Hyber et Nathalie Talec, devenus HyberTalec, un duo électrique et sans gêne, proposent une traversée déchainée des émotions. L’énergie du coup de foudre se décline sous la forme d’une rencontre effervescente entre les artistes et les visiteurs, dans un parcours d’expériences émotionnelles et artistiques.
Enfance
Du 22/06/2018 au 09/09/2018 au Palais de Tokyo
Encore un jour banane pour le poisson-rêve
Se rapprochant dans son principe et dans sa construction d’un conte, avec ses multiples niveaux de lecture s’adressant tantôt aux enfants, tantôt aux adultes, et avec ses nombreux rites de passage, l’exposition invite le visiteur « de 7 à 77 ans » à traverser diverses épreuves initiatiques, en se confrontant à l’étrange et à l’étranger.
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FESTIVAL DE ROSKILDE
30 juin – 7 juillet 2018, Roskilde, Danemark
Le festival de Roskilde est un des plus grands festivals de rock et pop d’Europe. Créé en 1971 par deux lycéens, il a lieu à Roskilde au Danemark. Beaucoup d’artistes d’horizons très différents y ont joué et il attire désormais un public venu de toute l’Europe.
L’association à but non lucratif responsable de l’organisation du festival et de sa spectaculaire programmation rassemble quelque vingt-cinq mille bénévoles. Le bénéfice est reversé à des associations caritatives ou à vocation culturelle, nationales et internationales.
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« Au diapason du monde – In Tune with the World »
11 avril au 27 août 2018, à la Fondation Louis Vuitton
Pour ce sixième accrochage de la Collection, l’exposition « Au diapason du monde » dévoile dans l’ensemble des galeries du bâtiment de Frank Gehry, une nouvelle sélection d’artistes réunissant des œuvres modernes et contemporaines, tous mediums confondus, pour l’essentiel jamais exposées en ce lieu.
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L’année 2017 célèbre le centenaire de la naissance d’Irving Penn, l’un des plus grands photographes du XXe siècle. En partenariat avec le Metropolitan Museum of Art de New York, le Grand Palais rend hommage à cet artiste talentueux, célèbre pour ses photographies de personnalités majeures telles que Pablo Picasso, Yves Saint Laurent, Audrey Hepburn, Alfred Hitchcock, etc. Son travail se caractérise par une élégante simplicité et une rigueur remarquable, du studio jusqu’au tirage auquel Penn accorde un soin méticuleux. Resté fidèle à la photographie de studio, il crée, dans chaque portrait, une véritable intimité avec son modèle, qui constitue la signature d’Irving Penn.
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Women House est la rencontre de deux notions : un genre – le féminin – et un espace – le domestique. L’architecture et l’espace public ont été masculins, tandis que l’espace domestique a été longtemps la prison, ou le refuge des femmes : cette évidence historique n’est pourtant pas une fatalité et l’expositionWomen House nous le montre. Elle rassemble sur 1000 m2 et dans une partie des cours de la Monnaie de Paris, 39 artistes femmes du XXe et XXIe siècle qui se saisissent de ce sujet complexe et mettent la femme au centre d’une histoire dont elle était absente. Après l’étape parisienne, Women House s’exposera au National Museum of Women in the Arts à Washington D.C à partir du 8 mars 2018.
2017
OPEN MUSEUM # 4 ALAIN PASSARD
Alain Passard, passé maître dans l’art de découper, accommoder, présenter, cuisiner le monde végétal, expose sa célèbre sculpture de homards ou ses collages. Il a aussi choisi de montrer, avec la complicité de la commissaire Valentine Meyer, les artistes comme Soutine, issu des collections du musée de Lille, ou d’autres œuvres qu’il a fait venir comme Arman, Gilles Barbier ou Claude Lévêque.
Cette quatrième version de l’Open Museum de Lille explore donc les thèmes des jardins et saisons, la gourmandise et la tension qui règne en cuisine.
> Palais des Beaux Arts, Lille
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Eli Lotar (1905 – 1969)
du 14 février au 28 mai 2017, Jeu de Paume, Concorde, Paris
Photographe et cinéaste français d’origine roumaine, Eli Lotar (Eliazar Lotar Teodorescu, Paris, 1905-1969) arrive en France en 1924 et devient rapidement l’un des tous premiers photographes de l’avant-garde parisienne. Proche de Germaine Krull qui lui apprend le métier, et plus tard des surréalistes, il publie dans les revues d’avant-garde — Vu, Jazz, Arts et métiers graphiques —, et participe à plusieurs expositions internationales majeures, parmi lesquelles « Fotographie der Gegenwart », « Film und Foto », « Documents de la vie sociale ».
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A PIED D’OEUVRE (S)
Une exposition du 40e anniversaire du Centre Pompidou au sol de la Monnaie de Paris
31.03 – 09.07 / 2017
Camille Morineau, directrice des expositions et collections à la Monnaie de Paris, inaugure sa programmation culturelle par un commissariat sur une idée de Bernard Blistène, directeur du Musée national d’art moderne, avec un sujet essentiel de l’histoire de la sculpture du 20e siècle : le passage de la verticalité propre à la sculpture et au monument à l’horizontalité et à son rapport immédiat au sol.
Commissaire Camille Morineau, directrice des expositions et collections à la Monnaie de Paris
Sur une idée de Bernard Blistène, directeur du Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle
Commissaires associés : Mathilde de Croix, Monnaie de Paris, Frédéric Paul, Conservateur, Musée national d’art moderne – Centre de création industrielle
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Emmanuel Saulnier, Black Dancing
Du 03/02/2017 au 08/05/2017, Palais du Tokyo
Emmanuel Saulnier développe un travail essentiellement sculptural, en dialogue constant avec la pratique du dessin. Bien que le verre soit son matériau de prédilection, l’artiste explore le potentiel de la matière au sens large. Son œuvre se confronte à des problématiques telles que la mémoire collective, la présence et la disparition.
Commissaire : Katell Affres
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Emmanuelle Lainé
Where the rubber of our selves meets the road of the wider world
Œuvres in situ / Anémochories, Du 03/02/2017 au 10/09/2017, palais de Tokyo
Emmanuelle Lainé réalise un gigantesque trompe-l’oeil sous la forme d’un arrêt sur image. Construite par plans successifs, surimpressions et décalages intempestifs, cette installation inédite s’inspire des réflexions menées par de nombreux théoriciens sur la figure du cyborg et le corps machinique.
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L’ESPRIT DU BAUHAUS
du 19 octobre 2016 au 26 février 2017, Musée des Arts Décoratifs, Paris
« Architectes, sculpteurs, peintres, tous nous devons retourner à l’artisanat » écrit l’architecte Walter Gropius dans son manifeste du Bauhaus. Fondé en 1919 à Weimar, dissout en 1933 à Berlin face à la montée du nazisme, le Bauhaus est une école d’enseignement artistique qui s’est imposée comme une référence incontournable de l’histoire de l’art du XXe siècle. Elle a été créée par Gropius pour rendre vie à l’habitat et à l’architecture au moyen de la synthèse des arts plastiques, de l’artisanat et de l’industrie.
> Musée des Arts Décoratifs, Paris
2016
Maurizio Cattelan : Not Afraid of Love
21 octobre 2016 – 08 janvier 2017, Musée de la Monnaie Paris
Cette exposition à la Monnaie de Paris, sous le commissariat de Chiara Parisi, est une exposition qui sera profondément «habitée» par Cattelan. Un choix d’œuvres, dont l’image reste pour toujours accrochée à la rétine, seront exposées dans les salons XVIIIème siècle de la Monnaie de Paris. Irrévérencieux, génial, facétieux, drôle, grave, provocateur, cynique, potache, Maurizio Cattelan n’est jamais là où on l’attend. Les visages de Cattelan sont autant d’uppercuts qui nous laissent KO. Et c’est là son paradoxe ultime, sa capacité géniale à transformer une fuite en pirouette sublime : Cattelan n’aura jamais été aussi présent dans une exposition, et pourtant chacune de ses œuvres hurle son absence.
L’effigie de Cattelan, l’art de la mise en scène, sera le cœur battant de l’exposition à la Monnaie de Paris.
Un début de réponse à son interrogation aussi pince-sans-rire que métaphysique « y-a-t-il une vie avant la mort ? ».
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René Magritte : La trahison des images
21 septembre 2016 – 23 janvier 2017, Galerie 2 – Centre Pompidou, Paris
L’exposition Magritte. La trahison des images propose une approche à ce jour inédite de l’œuvre de l’artiste belge René Magritte. Rassemblant les œuvres emblématiques, comme d’autres peu connues de l’artiste, provenant des plus importantes collections publiques et privées, l’exposition offre une lecture renouvelée de l’une des figures magistrales de l’art moderne.
Une centaine de tableaux, de dessins, et des documents d’archives, sont réunis pour offrir au public cette approche qui s’inscrit dans la ligne des monographies que le Centre Pompidou a consacré aux figures majeures de l‘art du 20e siècle : « Edward Munch. L’œil moderne », « Matisse. Paires et séries » et « Marcel Duchamp. La peinture, même ». L’exposition Magritte. La trahison des images explore un intérêt du peintre pour la philosophie, qui culmine, en 1973, avec Ceci n’est pas une pipe que publie Michel Foucault, fruit de ses échanges avec l’artiste.
AGENCE APERTURA 